Joel Peter Witkin
Fotógrafo contemporáneo.
Fue técnico en un estudio especializado en el proceso Dye Transfer, y más tarde asistente en dos estudios fotográficos. Seguidamente trabajó como fotógrafo en el ejército.
En 1967 decidió trabajar como fotógrafo independiente y actuó como fotógrafo de City Walls Inc. de Nueva York. Posteriormente realizó estudios en la cooper School of fine Arts, de Nueva York, donde obtuvo en 1974 el título de Bachelor of Arts. Después de haber obtenido una beca de poesía en la Columbia University, finalizó sus estudios en la Universidad de Nuevo México con el título Master of fine Arts. Actualmente enseña fotografía.

Witkin alborotó la opinión pública en los años 80, con fotografías de personas deformes, partes de cadáveres y puestas en escena de acontecimientos de la historia eclesiástica que citan conocidas obras maestras. Muchos de sus trabajos hacen pensar en escenas del pintor El Bosco Desde una posición marginal, ha logrado con los años establecerse en el mundo del arte reconocido.

Trabaja con elementos que destruyen una anticita al elemento artístico. También realiza otras obra de arte donde cita a de Chirico con elementos dentro de su fotografía, a Picasso (Guernica), las Meninas de Velazquez, la fragua de Vulcano, etc.

Hace una reconstrucción de elementos, satirizando. Aplasta los elementos que se encuentran en el Arte, en los principios de la vida -> Demoler en forma sistemática.
Trabaja con fotografía directa, trabaja en morgues, uando fragmentos de cuerpos.

Archimbold -> pintaba cabezas, cuerpos formados por frutas.
Banquete insano -> Uso de la luz que muestra lo contrario a lo que significa la luz. Refleja la luz misma (sentido de la vida).
Witkin muestra la luz de modo distinto, desde un punto de vista muy personal.
Relación con el arte bizantino.

Sentido de la vida después de la muerte, para Witkin no existe, uno se convierte en un pedazo de carne. Sentido y composición de la luz muy distinto a lo que estamos acostumbrados a ver.

Nota de campo: encontre interesante pero macabra la obra de Witkin, me paso por la mente el tema de rescatar la morbosidad que tiene cada uno para hacer obras impactantes, y que salga a flote la sublimidad dentro de la fotografía, así como en un entonces fue con la poesía de Baudelaire y Rimbaud.

La jóven de la Perla -> Vermeer

Delft, Holanda, 1665. Después de que su padre se quede ciego tras una explosión, Griet, de dieciséis años, tiene que ponerse a trabajar para mantener a su familia. Empieza como criada en casa de Johanes Vermmer y poco a poco va llamando la atención de pintor. Aunque son totalmente diferentes con respecto a educación y status social, Vermmer descubre la intuición de Griet para comprender la luz y el color y lentamente la va introduciendo en el misterioso mundo de la pintura.

Vermmer es un perfeccionista y a menudo tarda meses en terminar un cuadro. Su suegra, María Thins, lucha continuamente por mantener a su familia dentro del estilo de vida al que están acostumbrados, actualmente en peligro, y viendo que Griet inspira a Vermmer, toma la peligrosa decisión de permitir la clandestina relación que estos dos mantienen.

Sumergida en una caótica familia de católicos encabezada por la volátil esposa de Vermmer Catharina, y rodeada de niños, Griet está cada vez mas expuesta a grandes riesgos. Cornelia, una niña de doce años que ve mas de lo que debería, pronto se pone celosa y sospecha de Griet. Esto le puede traer problemas.

Sola y sin protección alguna, Griet también llama la atención de Pieter, un chico carnicero del pueblo, y del patrón de Vermmer, el rico Van Ruiiyen, que se siente frustrado porque su dinero no consigue comprar el control del artista. Mientras que Griet se enamora cada vez mas de Vermmer, ella no está del todo segura de los sentimientos de él.

El maquiavélico Van Ruiiyen, que sospecha la relación entre el maestro y la criada, idea un plan para que Vermmer pinte un cuadro en el que aparezca solo Griet. El resultado será uno de los mejores cuadros que jamás se han hecho.

Jan Vermeer
Vermeer nació en Delft (Holanda) y permaneció allí toda su vida. Fue enterrado en la Iglesia Vieja (Oude Kerk) en Delft. Es, después de Rembrandt, el más famoso pintor holandés del siglo XVII, un periodo que es conocido como la edad de oro de Holanda, por sus asombrosas realizaciones artísticas y culturales.

Su obra es escasa: treinta y cuatro cuadros de escenas de interior (como La Lechera) o retratos (La jóven de la Perla) y dos paisajes urbanos (La callejuela y La vista de Delft). Incluso el número de pinturas atribuidas a Vermeer varía, debido a las circunstancias en las Vermeer murió y a su posterior olvido.

Vermeer se destacaba en la restitución de la luz, de la textura, de la perspectiva (usaba la cámara oscura) y de los colores transparentes. Cuidaba la armonía de los colores. En sus obras se puede sentir el silencio de los personajes en algunos momentos íntimos de sus vidas. Se interesó por todas las capas de la sociedad con igual esmero, desde el retrato de una simple lechera trabajando a las obras en las que muestra el lujo y esplendor de los ricos burgueses de la época en sus espaciosas casas, por tanto su pintura nos revela muchos aspectos de la vida de esta época. En su obra se pueden encontrar connotaciones religiosas y científicas.

Futurismo (1909)

Movimiento que nace en Italia tras un manifiesto del poeta Marinetti. Es el primer movimiento que hace un manifiesto -> declaración de principios.
Se señalaba su amor por la energía el movimiento y la audacia.

Marinetti concibió esta nueva estética, inspirado en la Patafísica de Alfred Jarry y Rmy de Gourmont y en procedimientos estilísticos, que este movimiento literario no asumió respecto de ninguna tradición formal, ni cultural previa. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, y por considerar que los museos, en especial en Italia, eran sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común, lo impregnaba todo.

Según Marinetti había que olvidarse del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la mentalidad moderna y las nuevas realidades. Para ello se toma como modelo a las máquinas y sus virtudes: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización.

"Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva. La de la velocidad. Un automovil de carrera es más hermoso que la victoria de Samotracia. (es una escultura en bulto redondo perteneciente a la escuela rodia del periodo helenístico. Se encuentra en el Museo del Louvre en París. En griego la estatua se denomina Niki tis Samothrakis (Νίκη της Σαμοθράκης).

Los futuristas ven en la velocidad la belleza -> La hélice es algo bello.

• Otros pintores que adhirieron al futurismo fueron: Gino Severini, Carlo Carrà, Giacomo Balla, Umberto Boccioni.

Marcel Duchamp

En una época se le encajó en el futurismo (se le vinculó), pero él lo niega.
Rompe y abre un pre y post. Ligado al dadaísmo. Destruye elementos formales del Renacimiento (fotografía de un objeto o pieza de arte).
Empieza a romper con todo concepto artístico. El concepto de talento no exíste. El unico talento del artísta es ser artísta. Ausente el concepto de genialidad. Objetos encontrados y transformados en escultura. Niega el concepto de forma de luz. Negación del concepto global del Arte. Rompe con el elemento de originalidad.
Marcel Duchamp -> El gran vidrio -> se demora 20 años en terminarlo. Dice que son los solteros (La novia desnudada por sus solteros aún). Pone un concepto de novia. Propone y destruye cualquier concepto de humanidad y pone (propone) al hombre como una máquina. Lo unico humano que queda es el nombre.
Marcel Duchamp rompe con el tema de museo y hace una gran maleta.

Marcel Duchamp nació en Blainville-Crevon, cerca de Rouen, y en 1906, antes de cumplir los 20 años, ya está en Montmartre medio del París artístico. Al tiempo que empieza a pintar, publica caricaturas y dibujos humorísticos en la prensa, avanzando así en una veta decisita en toda su insólita obra posterior: el humor, la ironía y la parodia.

Nota de campo: Creo que Marcel Duchamp fue uno de los precursores de las instalaciones, me recordó su trabajo a lo que ví el año pasado en Fluxus.


Perro Andaluz -> Luis Buñuel y Salvador Dalí

Nombre original: Un chien andalou.
Comienza con: Il etait un fois (Erase una vez...)
Corte en el ojo -> corte en la percepción.
Surrealismo -> La verdadera realidad está en los sueños.

Un perro andaluz es considerada la película más significativa del breve, pero fructífero cine surrealista. Transgrediendo los esquemas narrativos canónicos, la película pretende provocar un impacto moral en el espectador a través de la agresividad de la imagen. Remite constantemente al delirio y al sueño, tanto en las imágenes producidas como en el uso de un tiempo no cronológico en la sucesión de las secuencias.

Movimientos Artísticos de Vanguardia

Rompen la visualidad
Quiebre Importante -> Cubismo -> Percepción cubista (1908)
Se destaca porque quiebra la visualidad -> Estilo Racional
Se destaca su percepción de los objetos desde un plano formal definido por la línea, rechazando la perspectiva y el movimiento. En efecto el cubismo propone una simultaneidad de visiones.
Rompe con la perspectiva y propone una perspectiva particular, es uno de los precursores de la abstracción. Anula el espacio y el orden.
Luz quebrada, fraccionada, rota compuesta por trozos.

Les Mademoiselles D'avignon (1907) -> Picasso, se le reconoce y entiende como un Burdel Filosófico. Picasso le quita todo el elemento casi humano, y deja citas al arte del desnudo femenino.
Uso de la luz mucho mas racional, pero aún así se transforma en místico (sentido metafísico)
Cita al Arte africano. Captura y búsqueda de las cosas primitivas. Relación con las bañistas de Monet. Cita al arte de la naturaleza muerta (Elementos Importantes).

Es un movimiento artístico que ocurrió entre 1907 y 1914, teniendo como principales fundadores a Pablo Picasso y Georges Braque. El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia real de las cosas. Además es un avance pues el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. Nació en el Salon de los Independientes.

Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque son los máximos exponentes de esta corriente, que revolucionó las bases de la pintura y de todas las artes. A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son vanguardistas. Se pintaron sobretodo bodegones, naturalezas muertas y retratos en este estilo.

Picasso y Braque crean dos tendencias del cubismo, la primera es la analítica, en donde la pintura es casi monócroma. Los colores en este momento no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de vista y la geometrización, no el cromatismo. En este periódo se incluye otro tipo de cubismo, el hermético. Estas obras parecen casi abstractas por la cantidad de puntos de vista representados, de este modo la imagen representada era casi imposible de ver, a no ser por algunos objetos como una pipa, o letras de periódico, que permiten distinguir lo que se está representando. El cubismo hermético se llevó tan lejos, que con miedo de caer en la abstracción,se transformó en lo que se conoce como el segundo periódo que es el cubismo Sintético. El cubismo sintético lo inició Braque al poner papel collé pegado directamente en la pintura. Picasso y Braque comenzaron a poner periódicos y esto evolucionó en lo que es hoy en día el collage. Estas obras son más sencillas y parecen estar ensambladas.

Trilogía Qatsi -> Godfrey Reggio -> NaqoyQatsi
Dialecto Hopi
El director nos introduce en la película, jugando con la imágen aprovecha la luz natural. -> Uso de la luz y el color en otra perspectiva. Busca algo sensorial.
Comienza con un dibujo de Escher de la Torre de Babel
Elbar Muybritch

El uso de la luz después de la introducción es artificial, hay una distorsión en el uso de la imagen y de la luz -> apunta a la tecnología.
Busca armar un relato en relación con la Torre de Babel.

CONTRASTE -> luz natural
-> luz artificial: q empieza a tener un mensaje

Para Woody Allen la luz es un medio, en cambio paa Qatsi la luz es el todo.

Nota de Campo: Me pareció que la película tenía buena estética y un muy buen audio, sin embargo me pareció algo enrredada y distinta a lo que estoy acostumbrada a ver, no encuentro que haya sido mala, sino que distinta, y poco comprensible de un punto del lenguaje obvio. Insinúa demasiado, y deja muy de lado la explicación.


FICHA TÉCNICA
Naqoyqatsi

Título original: Naqoyqatsi
Dirección: Godfrey Reggio
Productores: Joe Beirne, Lawrence Taub
Música: Philip Glass
Nacionalidad: Estados Unidos
Año: 2002
Género: documental
Duración: 89 Minutos

Esta trilogía, formada por las películas Koyaanisqatsi, Powaqatsi y Nagoyqatsi, muestra imágenes poéticas de extraordinario impacto emocional. Se trata de ensayos visuales y sonoros que narran el efecto destructivo del mundo moderno en el medio ambiente..

Godfrey Reggio, el director de la trilogía, es el inventor de este nuevo estilo cinematográfico. Sus películas documentales retratan la realidad y en ningún caso son de ficción ni cuentan con actores o decorados.

La luz

Películas y su uso (la luz en ellas)

Woody Allen -> Zelig

Susan Sontag -> La descontextualizan y la hacen ver como si estuviera hablando de Zelig.

Relato principalmente construido por Fotografías.
Interesante como Woody Allen trabaja el tema de la luz ambientada en 1928.

Zelig (1983) es una comedia de Woody Allen, en la que se entremezcla el humor característico del director, su pasión por el jazz y sus obsesiones (el sexo, la psicología, la identidad, la sociedad). Tratada como un falso documental, la película ha sido reconocida por la crítica por sus innovaciones técnicas e interpretativas.
La historia se desarrolla a finales de la década de los 20 cuando un extraño hombre empieza a llamar la atención pública debido a sus repetidas apariciones en diferentes lugares con diferentes aspectos. Ëste hombre, Leonard Zelig (Woody Allen), tiene la capacidad sobrenatural de cambiar su apariencia adaptándose al medio en el que se desenvuelve, por lo que es conocido como el hombre camaleón. A partir de estos datos se empieza a narrar su historia, incluyendo testimonios y presentación de los hechos, a manera de documental, de diferentes testigos de los acontecimientos. Entre ellos, el de la psicoanalista Eudora Fletcher, una mujer persistente y algo ambiciosa que busca analizar el estado mental de Zelig no sólo por su vocación, sino también para lograr su propio reconocimiento. La Doctora Fletcher llega a descubrir en Zelig un extremo caso de inseguridad que lleva a éste a camuflarse entre las personas, adaptando su apariencia para poder ser aceptado (cuando se mezcla con judíos le crecen barbas y caireles, cuando se mezcla con negros su piel y hasta su tono de voz cambian,...). A partir de ahí, la relación entre Zelig y Eudora se hace más especial hasta llegar a entablarse un romance entre ellos, a medida que Zelig hace progresos en su recuperación.


Woody Allen
Nació el 1 de diciembre de 1935 en el barrio de Brooklyn, en Nueva York con el nombre de Allan Stewart Konigsberg. Es considerado uno de los principales directores y guionistas cinematográficos contemporáneos. Proviene de una familia judía. Durante su infancia aprendió a tocar el violín, hecho que le ayudaría más tarde en la creación de las bandas sonoras de sus películas y a convertirse en un gran intérprete del clarinete, que toca con asiduidad en público, junto con una banda de jazz. Muchas veces ha dicho que prefiere ir a tocar con su banda antes de asistir a la ceremonia de los Oscar.

Allen empezó su carrera como humorista a los 16 años, siempre asociado a otros humoristas. En 1957 se le concedió su primer premio "Sylvana Award". Comenzaría a trabajar individualmente, llegando a ejercer la tarea de director de sus espectáculos en la cadena de hoteles Borsch Belt de Nueva York, donde ya habían trabajado otros humoristas importantes, como Jerry Lewis. Actuó en numerosos locales, ocasionalmente apareciendo en programas de televisión, hasta que finalmente y gracias a su talante e ingenio, tras una actuación en el local Blue Angel, le ofrecieron la posibilidad de elaborar un guión y participar como actor en el filme What's new, Pussy Cat? A partir de ese momento Allen se consagraría como director y guionista, y también actor, con la realización de películas ambientadas principalmente en su querida Manhattan, siendo uno de los primeros directores americanos en reivindicar a cineastas europeos como Ingmar Bergman.

Impresionismo:

• Busqueda de la luz como materia: En la descomposición cromática se descubre la esencia artística.
• Dibujo impreciso, esfumado de contornos diluidos.
• La academia -> El dibujo era esencial (tenías que saber dibujar para convertirte en pintor)
• El dibujo no es el centro de la pintura (no es relevante)
• Su origen era doble: admiración al naturalismo y desprecio por los pintores académicos del Salón Oficial. Sus principales temáticas fueron placenteras.

El impresionismo es el movimiento pictórico francés qe nace a finales del siglo XIX, que aparece como reacción contra el arte de las academias. Este movimiento se considera como un punto de partida del arte contemporáneo.

Partió como una respuesta en desacuerdo con los temas clásicos y las formas rígidas de la Academia Francesa de Bellas Artes que fijaba los modelos a seguir y alentaba las exposiciones oficiales del Salón parisino. En cambio los impresionistas escogieron la pintura al aire libre y los temas de la vida cotidiana. Su primer y principal objetivo fue conseguir una representación del mundo que debía ser espontánea y directa, y para ello se centraron en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos. Sus principales exponentes (artístas) fueron: Edgard Degas, Claude Monet, Berthe Morisot, Camille Pissarro, Auguste Renoir y Alfred Sisley.

Los pintores impresionistas no se definían a ellos mismos bajo el apodo de impresionistas. El término les fue impuesto por el crítico Louis Leroy, al ver la obra de Monet "Impresión Atardecer" o Impresión del sol naciente pintada en 1872 y expuesta en la exposición del 74.

Los impresionistas se preocuparon más por captar la incidencia de la luz sobre el objeto que por la exacta representación de sus formas. Los pintores académicos definían las formas mediante una gradación tonal. Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios (cyan, magenta y amarillo) y los complementarios (naranja, verde y violeta). Consiguieron ofrecer una ilusión de realidad aplicando directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas. De este modo, los impresionistas lograron una mayor brillantez en sus pinturas que la que se produce normalmente al mezclar los pigmentos antes de aplicarlos.

Influencias

Desarrollo científico: Trabajos en óptica realizados por Eugene Chevreul: Los principios de la armonía y el contraste de los colores y su aplicación a las artes.

La tésis es que los colores en proximidad y complementariedad se influyen mutuamente.

Del punto de vista estilístico la influencia de las láminas japonesas en particular ciertos principios como claridad de las sombras, gusto por las síntesis, escorsos, y vistas de ángulos elevados, tensión entre superficies.

Hokusai -> Postales japonesas.

Nota de campo: Me llamó la atención como tomaron los impresionistas como referencia las pinturas japonesas y la influencia de ellas en la pintura que luego estos construyen, toman los razgos formales y los cambian a su comodidad.

El salón de los rechazados: Se formalizó el grupo cuando el 15 de Abril de 1874 el conjunto de obras presentadas es rechazada y se constituyó un salón de independientes en el estudio de Nadar. En esta exposición Monet dió a conocer su cuadro "Impresiones del Sol Naciente" de aquí viene el nombre peyorativo que identificará al grupo.
La característica principal es la voluntad estética de capturar el comon y dar primacía a la luz sobre el modelo, por esto desarrollan la pintura plen air (abandono de la composición correcta y la puesta en color del atelier)

Personaje influyente -> Charles Baudelaire, genera un retorno a la subjetividad.
Lanza un llamado a los pintores para que el pintor descubriera la poesñia de la vida moderna y lo eterno de lo transitorio.

Charles Pierre Baudelaire, poeta, crítico y traductor francés (1821 - 1867). Fue uno de los poetas más imfluyentes del siglo XIX. También llamado el poeta maldito (le poète maudit), dada su vida de bohemia y excesos.

Empezó a frecuentar los círculos literarios y artísticos y escandalizó a todo París con sus relaciones con Jeanne Duval, la hermosa mulata que le inspiraría algunas de sus más brillantes y controvertidas poesías. Destacó pronto como crítico de arte: El Salón de 1845, su primera obra, llamó ya la atención de sus contemporáneos, mientras que su nuevo Salón, publicado un año después, llevó a la fama a Delacroix (pintor, entonces, todavía muy discutido) e impuso la concepción moderna de la estética de Baudelaire. Buena muestra de su trabajo como crítico son sus Curiosidades estéticas, recopilación póstuma de sus apreciaciones acerca de los salones, al igual que El arte romántico (1868), obra que reunió todos sus trabajos de crítica literaria.

Las flores del Mal

Las flores del mal es una obra de concepción clásica en su estilo, y oscuramente romántica por su contenido, en la que los poemas se disponen de forma orgánica (aunque esto no es tan evidente en las ediciones realizadas tras la censura y el añadido de nuevos poemas). En ella, Baudelaire expone la teoría de las correspondencias y, sobre todo, la concepción del poeta moderno como un ser maldito, rechazado por la sociedad burguesa, a cuyos valores se opone. El poeta se entrega al vicio (singularmente la prostitución y la droga), pero sólo consigue el hastío (spleen, como se decía en la época), al mismo tiempo que anhela la belleza y nuevos espacios ("El viaje"). Es la "conciencia del mal".

Relata una experiencia humana original. La humanidad es el teatro de un combate incesante entre dos fuerzas inspiradoras: La espiritualidad que quiere llevar a D's y la animalidad que deriva al mal. Para escapar de la banalidad, medriocridad y el aburrimiento utiliza todos los recursos:

Nota de campo: Me ha llamado hace años la atención la poesía, y más firmemente la poesía de Charles Baudelaire y de Rimbaud, los dos poetas malditos por exelencia, tanto las Flores del Mal como Una temporada en el infierno me marcaron una etapa de mi vida. Su influencia en la cultura del siglo XIX y posteriores fueron bastante marcadas, y de ahi surgieron variadas tendencias hasta el día de hoy.